Un arnaqueur de ping-pong pour tous les âges, un interprète de Neil Diamond pour les années 80, une musique chorale à la fois comique et spirituelle, ainsi que des adolescents tourmentés, des familles tordues et un serpent géant en liberté. Ce sont des vacances plutôt joyeuses dans votre cineplex local.
Ils rejoignent une nouvelle suite, un drame réalisé par Bradley Cooper, et plus encore dans les salles.
Marty Suprême
J'ai l'impression que je devrais vous dire de lire rapidement cette critique, de préférence avec « The Fat Man » de Fats Domino qui retentit à votre oreille. La comédie loufoque et pleine d'adrénaline de Josh Safdie sur un arnaqueur de tennis de table qui rêve de domination mondiale – dans un sport qui n'a pas encore été enregistré auprès du public américain – est un tour de force cinématographique fascinant. Timothée Chalamet incarne Marty Mauser (vaguement basé sur le vrai champion de ping-pong américain des années 1940 et 1950 et petit criminel Marty Reisman), passant du statut d'enfant déterminé et passionné à celui d'enfant lésé et également en pleine crise, attirant puis s'aliénant tous ceux qu'il croise. Nous le rencontrons en tant que vendeur de chaussures new-yorkais ayant des rendez-vous amoureux dans un magasin avec son amie d'enfance mariée (Odessa A'zion) et se préparant pour un combat en Angleterre pour lequel il ne peut même pas se permettre un billet d'avion.
Marty établit par une série de braquages et d'escroqueries qu'il n'a aucun problème à tricher ou à voler pour y arriver, puis régale la presse avec une routine raciste pugnace qui le fait faire la une des journaux avant son premier service. L'approche live-wire de Chalamet est parfaitement contrée par une tournure sereinement sensuelle de Gwyneth Paltrow en tant que star de cinéma vieillissante qui trouve Marty amusant et alarmant dans une mesure à peu près égale. Et le film ne fait que commencer à ce moment-là, se dirigeant vers un championnat au Japon avec la sensation propulsive, déchirante et précipitée du jugement de Safdie mélangée à une comédie vertigineuse. C'est une aventure à sensations fortes, pure et simple.
Chanson chantée en bleu
Mike et Claire Sardina, le vrai couple de cols bleus de Milwaukee qui ont formé un groupe hommage à Neil Diamond dans les années 1980, reçoivent le traitement de paillettes et de paillettes dans ce festival d'amour entre Hugh Jackman et Kate Hudson. Le scénariste et réalisateur Craig Brewer garde la musique centrale et le sentiment tolérable alors que le couple se rencontre mignon, se lie rapidement et forme un groupe musical connu professionnellement sous le nom de Lightning and Thunder. Les étoiles sont bien assorties et attrayantes – Hudson fait une imitation gagnante de Patsy Cline, et Jackman maîtrise parfaitement le son et l'allure de Neil Diamond. L'histoire du couple, qui comporte plus de bas que de hauts, ne correspond pas tout à fait à l'ambiance d'un film déterminé à être toujours et toujours en hausse. Pourtant, les stars sont engageantes, les acteurs secondaires très amusants et la musique entraînante.
Anaconda
Le film original est sorti il y a près de 30 ans, envoyant un assortiment de stars de cinéma des années 90 en Amazonie, où elles ont été menacées et parfois écrasées et/ou dévorées par des serpents géants mortels. Ce film, avec Jennifer Lopez et Ice Cube, a été un succès qui a donné naissance à une poignée de suites peu considérées.
Lourd en méta-références au film original, le nouveau n'est pas tout à fait un redémarrage, ce n'est pas tout à fait une suite, et il est joué pour rire. Jack Black et Paul Rudd incarnent des amis de longue date qui ont grandi en voulant devenir cinéastes. Mais ils ont suivi des cheminements de carrière différents : le personnage de Paul Rudd est un acteur en difficulté dont le rôle le plus important était un petit rôle dans la série télévisée, tandis que le personnage de Jack Black réalise des vidéos de mariage tout en aspirant à tourner quelque chose de plus créatif. Ils rassemblent leurs vieux amis et collaborateurs – joués par Thandiwe Newton et Steve Zahn – et se dirigent vers l'Amazonie pour tourner une méta-réimagination de . Comme vous pouvez l’imaginer, cela s’avère plus difficile qu’il n’y paraît.
La peste
La première image est une étrange prise de vue sous-marine – des bleus, des verts et des gris tachetés de soleil – sa paix a soudainement explosé alors que les corps plongeaient dans la piscine. Des collégiens, les membres tous sur les hanches, presque littéralement en mer, alors qu'ils luttent pour l'équilibre. C'est un bon début pour l'histoire d'un jeune qui essaie de déterminer sa place parmi les cliques lors d'un camp d'été de water-polo. Ben (Everett Blunck) est le nouveau venu du camp, Jake (Kayo Martin), son enfant cool et souriant, qui découvre les particularités de ses camarades et les exploite.
Il dit à Ben qu'Eli (Kenny Rasmussen), un garçon renfermé avec une éruption cutanée, a la « peste » et doit être évité. Ben, voyant la souffrance évidente du paria, ne peut pas concilier cela avec son propre sens de la décence, mais ne veut pas non plus être ostracisé, et sa tentative de diviser la différence mène le film sur un territoire. Le premier film de Charlie Polinger est à couper le souffle, dérangeant et exploite intelligemment les tropes de l'horreur corporelle, car il établit essentiellement que les garçons de 12 ans sont des sauvages qui ne devraient jamais être sans la surveillance d'un adulte.
Père Mère Soeur Frère
On pourrait s'attendre à ce que Jim Jarmusch examine les relations familiales avec une certaine excentricité, mais pas nécessairement de la manière élégamment encadrée qu'il le fait dans ce triptyque sur les enfants adultes et les parents qu'ils ne commencent pas à comprendre. Le segment présente Adam Driver et Mayim Bialik comme des frères et sœurs raides les uns avec les autres, et encore moins à l'aise avec leur escroc bavard de père (Tom Waits). Le chauffeur arrive avec des provisions et de l'argent, Bialik arrive armé d'un sourcil arqué, et Waits est prêt pour eux deux.
Dans la deuxième partie, Charlotte Rampling, sublimement froide, organise un thé gênant une fois par an pour ses filles, l'une nerveuse (Cate Blanchett), l'autre aux cheveux roses et bruyante (Vicky Krieps). Et le dernier tiers, retrouve Indya Moore et Luka Sabbat en train de créer des liens dans l'appartement parisien désormais vide de leurs parents récemment décédés. Ce segment semble moins parler d'éloignement, jusqu'à ce que vous réalisiez à quel point ils en savent peu sur leurs chers défunts. Il y a des blagues récurrentes sur les Rolex, l'expression « Bob est ton oncle » et des toasts pour relier les choses, ainsi qu'un ton doux et réfléchi qui en fait l'un des films les plus compatissants de l'année.
La Chorale
Le réalisateur Nicholas Hytner et le scénariste Alan Bennett, qui ont déjà fait équipe sur et , explorent des profondeurs moins profondes dans cette douce comédie dramatique sur un chœur amateur en 1916. Lorsque leur chef de chœur part se battre pendant la Première Guerre mondiale, le propriétaire de l'usine en deuil Roger Allam, qui finance le chœur, engage à contrecœur le Dr Guthrie (Ralph Fiennes), un chef de chœur doué mais un choix qui divise en cette période intensément nationaliste – parce qu'il a passé les dernières années. en Allemagne. Il présente également des « particularités » (code pour être gay) mais cela semble moins important aux yeux des locaux.
Fiennes rejette ouvertement les traditions locales, s'en prend à l'appréciation des Anglais pour les arts et est suffisamment célébré dans les cercles musicaux pour persuader le compositeur Edward Elgar (Simon Russell Beale) de les laisser interpréter son oratorio « Le Rêve de Gerontius ». Elgar est moins ravi lorsqu'il découvre que le chœur transforme l'oratorio en une histoire sur la guerre, faisant de son héros âgé un jeune soldat et le rendant généralement ce que les générations futures appelleraient « pertinent ». Tout cela est doux et sentimental, et même s'il sort pendant les saisons de récompenses, on a l'impression qu'il veut vraiment être considéré comme le meilleur film de 1933.
Pas d'autre choix
« J'ai tout », déclare Man-su, superviseur de l'usine de papier, en serrant sa famille dans ses bras lors d'un barbecue dans le jardin de son élégante maison coréenne. Il fait griller des anguilles que lui ont offertes les nouveaux propriétaires américains de l'entreprise papetière, sachant que cela doit signifier qu'ils l'apprécient. Il s'agit d'une satire sociale du réalisateur Park Chan-wook, il est raisonnable de s'attendre à ce qu'il reçoive un coup dur sous peu, et un jour plus tard, il a été renvoyé. (Le film est basé sur le roman à suspense d'horreur de Donald E. Westlake de 1997). Il est désemparé mais ne peut pas exprimer, ni même vraiment comprendre, qu'il a le sentiment d'avoir perdu sa virilité, son mojo et sa raison d'être.
En plus de cela, son industrie se consolide, donc trouver un autre emploi avant que son indemnité de départ ne s'épuise et qu'il ne perde sa maison (la maison de son enfance) sera difficile. Lorsqu'on lui demande s'il envisagerait un emploi en dehors de l'industrie papetière, Man-su (Lee Byung-hun) répond que pour lui, il n'y a « pas d'autre choix », faisant écho aux paroles prononcées par ses patrons américains sur la réduction des coûts en procédant à des licenciements. Mais alors que la fin des indemnités de licenciement approche, il élabore un plan pour éliminer un à un ses concurrents sur le marché du travail. N'est-ce pas un massacre ? Eh bien, il n’a « pas d’autre choix ».
Au début, il semble que nous soyons sur le territoire d'une comédie de tueur en série, mais le cinéaste élargit le cadre pour inclure des détours narratifs – un beau-fils qui vole des téléphones portables, une fille qui est un prodige du violoncelle, une femme qui travaille pour un dentiste que Man-su soupçonne d'avoir des visées sur elle. Oh, et le traumatisme d'une ferme porcine de sa jeunesse et une passion pour le jardinage en serre. Le directeur Park a beaucoup de choses à faire, et une séquence finale de mécanisation de l'usine à papier suggère que toutes ces tentatives contre l'action humaine n'ont peut-être été que le dernier souffle de l'humanité.
Le testament d'Ann Lee
Ambitieux, stylisé, intense et totalement peu orthodoxe, le biopic religieux de Mona Fastvold raconte l'histoire de la fondatrice des Shakers, Ann Lee (une Amanda Seyfried aux yeux fous et farouchement engagée) comme un drame musical à grande échelle. Cela ne veut pas dire qu’il y a des airs qui claquent des doigts. La partition adapte les spirituals Shaker du XVIIIe siècle, et la chorégraphie implique des membres poussés et des doigts griffus de la danse semblable à une crise qui a valu à cette secte puritaine des Quakers « Shaking » leur surnom.
Nous rencontrons Ann comme une jeune pieuse plus intéressée par les questions spirituelles que par les questions charnelles. Le mariage avec un homme qui aime infliger de la douleur pendant les rapports sexuels et la mort de ses quatre enfants en bas âge amènent Ann à la conclusion que le célibat à vie est l'une des clés du salut. Avec l'aide de son jeune frère (Lewis Pullman), elle trouve des adeptes d'une philosophie religieuse qui met également l'accent sur l'égalité des sexes et la simplicité de vie, et les amène à fonder une communauté utopique et artisanale en Amérique. Le réalisateur Fastvold et son co-scénariste Brady Corbet (le couple a inversé les rôles de l'année dernière) présentent le voyage spirituel d'Ann en termes musicaux extatiques, à la fois distanciants et… enfin, extatiques, même s'ils pâlissent un peu au cours de deux heures et quart.
