Les recommandations hebdomadaires de Common Sense Media

Une aventure animée amusante est tout simplement un canard ; un certain péril, des menaces.

« Migration» est une charmante aventure animée qui suit une famille de quatre canards, dirigée par les parents Mack et Pam Mallard (voix de Kumail Nanjiani et Elizabeth Banks), alors qu’ils se lancent dans une aventure migratoire. Mack est un parent surprotecteur, terrifié à l’idée que quelque chose arrive à ses canetons dans un monde plein de prédateurs. Il n’a pas tort : les oiseaux plus gros et les chefs armés de couteaux considèrent les canards comme un dîner et tentent souvent de s’échapper. Mais le péril est toujours contrebalancé par la comédie, et le message ultime est que vivre pleinement la vie vaut la peine de prendre des risques. Une séquence particulièrement effrayante impliquant un héron est tournée comme un film d’horreur, et les petits enfants ressentiront probablement encore plus la tension lorsque le film sera visionné sur grand écran. Pourtant, les Mallards s’en sortent, tout comme la plupart des enfants. Le langage se limite à des insultes telles que « idiot », « tueur psychopathe », « stupide » et « vermine trash », et l’expression « bustin’ your bills » est utilisée. (Remarque : dans les salles de cinéma, le court-métrage « Mooned » des Minions est projeté avant « Migration ». Il contient un péril comique ; un Minion qui boit un martini ; et un méchant idiot et court-circuité qui utilise les mots « stupide », « idiot ». et « caca ».) (92 minutes)

Les garçons dans le bateau (PG-13)

Drame sportif historique et réconfortant ; fumer, langage.

« Les garçons dans le bateau» est le drame sportif historique réconfortant du réalisateur George Clooney, basé sur le livre non-fictionnel primé de Daniel James Brown en 2013. Il suit l’équipe universitaire junior de l’Université de Washington alors qu’ils persévèrent et apprennent à travailler ensemble, à rivaliser avec des rivaux régionaux et nationaux et, finalement, à se préparer pour les Jeux olympiques d’été de 1936 à Berlin, dirigé par les nazis. Il traite de sujets d’actualité, notamment la pauvreté causée par la Grande Dépression ; les obstacles rencontrés par les étudiants-athlètes de la classe ouvrière ; l’impact d’un manque de soutien parental; et (brièvement) le racisme. Le langage n’est pas fréquent mais comprend « a– », « a–hole », « putain » et « s— » ; les personnages fument également, les étudiants boivent des boissons non précisées lors d’une fête, et il y a un peu de baisers et de flirt. Les coéquipiers se battent presque et les symboles nazis évoquent une violence tacite. Les rameurs subissent quelques blessures pendant leur entraînement : un athlète visiblement malade a failli s’évanouir mais continue de concourir. Bien qu’il n’y ait pas de diversité raciale à proprement parler (tous les athlètes et entraîneurs réels étaient des hommes blancs), le film traite de la diversité économique et régionale, en se concentrant sur les rameurs ruraux de la classe ouvrière en compétition contre les élites de l’Ivy League/de la côte Est et , plus tard, des équipes de haut niveau d’Angleterre et d’Allemagne. (124 minutes)

Une adaptation musicale intense favorise la résilience, montre les abus.

« La couleur violette » est une adaptation de la comédie musicale de Broadway basée sur le film lauréat du prix Pultizer d’Alice Walker. roman de 1982. Steven Spielberg, producteur de ce film, a déjà a adapté le livre en 1985. L’histoire suit une jeune femme noire nommée Celie (Fantasia Barrino, à l’origine du rôle à Broadway) alors qu’elle navigue dans les dures réalités de la vie rurale dans le sud des États-Unis du début au milieu du XXe siècle. Même si les numéros musicaux occupent une place importante, l’histoire traite de sujets graves, notamment les abus sexuels, l’inceste présumé, le viol, la violence domestique et conjugale, le racisme dans le sud de Jim Crow, le sexisme, l’adultère, l’incarcération et la pauvreté. Le langage comprend quelques utilisations de « s— », « a– », « putain » et quelques insultes créatives. La majeure partie de la sexualité est liée à la violence, mais il existe des couples romantiques qui s’embrassent, dansent sensuellement et ont des relations sexuelles implicites (hors caméra). Malgré ses nombreux thèmes matures, le film contient finalement des messages d’espoir sur la persévérance, la compassion, la fraternité et la foi en un avenir meilleur. L’histoire est basée sur une œuvre phare de la littérature afro-américaine et met en scène un casting presque entièrement noir, ainsi qu’un réalisateur noir. Colman Domingo, Danielle Brooks, Taraji P. Henson, Corey Hawkins et Halle Bailey sont co-stars. (141 minutes)

Histoire vraie, mature et réfléchie, de frères lutteurs des années 1980.

« La griffe de fer» est un drame sportif mature sur une équipe réelle de frères de lutte, les Von Erich, qui sont devenus champions dans les années 1980 mais ont également subi de nombreuses tragédies familiales. Certaines violences liées à la lutte deviennent assez intenses : il y a des piétinements, des claquements, des tacles, des torsions de tête, des coups de poing, des coups de pied volants, des coups de tête, des cordes à linge, des gifles, des bousculades, une main poussée sur un visage, des égratignures, des cheveux tirés, des coups durs. atterrissages, coups de pied dans les côtes et au visage, blessures sanglantes, blessures et plus encore. Les personnages tirent également avec des armes à feu, et il y a des décès par suicide, des vomissements de sang, des cadavres et bien plus encore. Le langage fort inclut l’utilisation de « f— », « s— », « putain », « fils de pute », etc. Les personnages s’embrassent passionnément, le sexe est suggéré et un homme se masturbe (l’action est en dessous de la caméra). Les gens consomment également de la cocaïne, s’injectent des drogues (éventuellement des stéroïdes), prennent des pilules, boivent et parfois s’enivrent et fument des cigarettes. Mais il y a des thèmes clairs sur le travail d’équipe, et le film est réalisé de manière émouvante avec une touche introspective et émotionnelle de Sean Durkin. (132 minutes)

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