Les contradictions abondent dans les salles de cinéma en ce moment : l'un des hommes les plus athlétiques du cinéma passe tout son thriller attaché à une chaise ; l'une de ses principales dames les plus éloquentes (en anglais) passe la sienne à parler français, un film pour enfants optimiste sur le thème de l'arc-en-ciel dépeint un monde littéralement en feu… et plus encore.
Des longs métrages internationaux obsédants, une Kate Hudson nominée aux Oscars et un thriller sur le tennis de table sont toujours à l'affiche.
Miséricorde
Nous sommes en 2029 et une entité d'intelligence artificielle appelée Mercy siège en tant que juge, jury et bourreau dans certaines procédures pénales de Los Angeles dans le thriller du réalisateur Timur Bekmambetov. Le détective Raven (Chris Pratt), alcoolique et apparemment aussi un modèle pour les forces de l'ordre de Los Angeles, après avoir amené la première condamnation de Mercy, se réveille au début du film, la gueule de bois et enchaîné à la « Mercy Chair » qui le tuera s'il est reconnu coupable. Face à lui à l'écran se trouve le juge Maddox (Rebecca Ferguson), une juriste de l'IA qui l'informe glacialement qu'il dispose de 90 minutes (rep. chronomètre à l'écran) pour prouver qu'il n'a pas tué sa femme, un événement dont il n'a aucun souvenir. Pour ce faire, il doit utiliser les vastes archives de la ville composées de séquences de surveillance et de caméras corporelles, de drones, d'enregistrements téléphoniques, etc. Il peut également passer quelques appels à sa famille et à ses collègues.
Donc, pas RoboCop, mais RoboCourt – une sorte de principe astucieux, sauf que personne impliqué ne semble terriblement déterminé à remettre en question la notion centrale de faillibilité de l’IA. « Humain ou IA », déclare Raven dans une dénonciation spectaculairement peu convaincante, « nous faisons tous des erreurs ». Pourtant, la configuration permet à Bekmambetov de s'adonner à son penchant pour la narration avec des caméras de sonnette, des captures d'écran d'iPhone et des recherches sur ordinateur, le tout édité frénétiquement pour rendre l'utilisation de tant de séquences basse résolution moins ennuyeuse. Une séquence de poursuite intelligemment chorégraphiée élargit enfin la portée et rend le dernier acte heureusement rapide. Mais l'effet global est dérivé et de seconde main – presque littéralement, conçu non pas par le réalisateur du film de 2012, mais par le réalisateur de .
Le testament d'Ann Lee
Ambitieux, stylisé, intense et totalement peu orthodoxe, le biopic religieux de Mona Fastvold raconte l'histoire de la fondatrice des Shakers, Ann Lee (une Amanda Seyfried aux yeux fous et farouchement engagée) comme un drame musical à grande échelle. Cela ne veut pas dire qu’il y a des airs qui claquent des doigts. La partition adapte les spirituals Shaker du XVIIIe siècle, et la chorégraphie implique des membres poussés et des doigts griffus de la danse semblable à une crise qui a valu à cette secte puritaine des Quakers « Shaking » leur surnom.
Nous rencontrons Ann comme une jeune pieuse plus intéressée par les questions spirituelles que par les questions charnelles. Le mariage avec un homme qui aime infliger de la douleur pendant les rapports sexuels et la mort de ses quatre enfants en bas âge amènent Ann à la conclusion que le célibat à vie est l'une des clés du salut. Avec l'aide de son jeune frère (Lewis Pullman), elle trouve des adeptes d'une philosophie religieuse qui met également l'accent sur l'égalité des sexes et la simplicité de vie, et les amène à fonder une communauté utopique et artisanale en Amérique. Le réalisateur Fastvold et son co-scénariste Brady Corbet (le couple a inversé les rôles de l'année dernière) présentent le voyage spirituel d'Ann en termes musicaux extatiques, à la fois distanciants et… enfin, extatiques, même s'ils pâlissent un peu au cours de deux heures et quart.
Arc
Un petit garçon voyage d'un futur lointain où les humains vivent dans les nuages vers un avenir du 21e siècle plus reconnaissable et rempli de droïdes dans le premier long métrage d'Ugo Bienvenu, charmant et édifiant. Le réalisateur et co-scénariste, romancier graphique, imagine le futur lointain en termes utopiques : des familles vivant dans des colonies qui ressemblent à des arboretums au sommet d'arbres artificiels géants, d'où elles sautent pour voyager dans le temps à la pointe des arcs-en-ciel. Les enfants de moins de 12 ans ne sont pas autorisés à voyager dans le temps, une restriction qui semble arbitraire à notre personnage principal de 10 ans, alors le petit Arco glisse la cape à motifs arc-en-ciel de sa sœur et fait son premier saut, qui ne se passe pas tout à fait comme prévu. Il se retrouve en 2075, où les droïdes remplissent de nombreuses fonctions – enseigner dans les écoles, surveiller les rues, livrer des colis – et des quartiers entiers ont été équipés de dômes de verre transparent pour se protéger contre les incendies de forêt incontrôlables et les tempêtes de pluie extrêmes. Iris, qui a à peu près l'âge d'Arco, suit un arc-en-ciel et découvre qu'Arco s'est écrasé dans les bois. Elle le ramène à la maison et ils se lient, même s'il reste le problème de le ramener à la maison.
L'histoire est pleine d'action et, surtout lorsqu'un incendie de forêt fait rage à proximité, est assez pleine de suspense. Bien que le film incorpore une vision assez sombre de la direction écologique que prend la planète, il s'appuie fortement sur les solutions (ces dômes), de sorte que l'histoire ne semble pas susceptible d'effrayer sérieusement les enfants, son public cible. C'est aussi d'une beauté inhabituelle, avec une animation qui suggère le travail de Hayao Miyazaki, avec un côté légèrement plus dur et plus réaliste.
Bruit de chute
Étrange, et pas toujours balisé de manière à rendre ses liens compréhensibles, le portrait sombre du réalisateur et co-scénariste Mascha Schilinski d'une ferme familiale allemande et des femmes qui l'habitent sur quatre générations pourrait être décrit comme un poème cinématographique de désir et de culpabilité. Il comprend des histoires sur Fritz, un garçon en âge de servir pendant la Première Guerre mondiale qui perd une jambe, ainsi que sur la stérilisation et les mauvais traitements infligés aux servantes. Il y a aussi la fixation érotique d'une fille sur Fritz quelques années plus tard, une jeune femme amoureuse du disco maltraitée par un oncle dans les années 1980 en Allemagne de l'Est alors que son fils se languit d'elle, et une amitié entre une préadolescente de la famille de l'Allemagne moderne réunifiée et un intense inconnu dont la mère est décédée. Une petite fille participe à l'étrange tradition familiale des « photos de mort » – des photos post-mortem posées avec ses proches – puis voit une photo qui semble prédire sa propre mort. Pas gai, en somme. De plus, pas toujours cohérent, mais magnifiquement filmé et joué de manière convaincante.
Une vie privée
Jodie Foster, élégamment bilingue dans le rôle de Lilian, une psychiatre française, est la raison la plus convaincante de voir le mystère psychologique convenable mais légèrement idiot de la réalisatrice et co-scénariste Rebecca Zlotowski. Apprenant que sa patiente Paula (Virginie Efira) semble s'être suicidée, Lilian assiste à un service commémoratif et a des interactions assez étranges avec la fille de Paula (Luàna Bajrami), et son mari (Mathieu Amalric) qu'elle commence à soupçonner un acte criminel. Elle contacte son ex-mari, qui est aussi son ophtalmologiste (Daniel Auteuil), car elle n'arrête pas de pleurer : ses larmes éclaboussent la main d'un homme dans le métro. Elle contacte alors un médium (Sophie Guillemin) qui l'hypnotise et réussit à arrêter ses larmes, mais lui permet également d'accéder à un état de rêve dans lequel elle et Paula étaient violonistes et amants jouant dans un orchestre parisien pendant l'occupation nazie, avec le fils séparé de Lilian (Vincent Lacoste) parmi les miliciens nazis.
Rien de tout cela n'a plus de sens dans le film que tel que je le décris, pas plus que l'odyssée de résolution de crimes dans laquelle elle et son ex se lancent (ce qui entraînerait presque certainement la perte de leur licence médicale). Foster est sublime, et elle a une chimie si facile avec Auteuil que leurs scènes ensemble donnent un sens temporaire à des détours improbables de l'intrigue. Si tout cela avait été joué pour rire, cela aurait pu avoir une ambiance Hitchcock-rencontre-, mais ce n'est pas le cas, et ce n'est pas le cas.
