Les peintures sur papier révèlent une autre facette de Rothko

Il est facile d’interpréter les grandes peintures sombres des derniers mois de Mark Rothko comme étant sombres, l’œuvre d’un artiste dont le long combat contre la mauvaise santé et la dépression a pris fin lorsqu’il s’est suicidé en 1970. Trop facile, en fin de compte. Une série de pièces sur papier moins connues dans des teintes pastel oniriques de la même période contrecarrent un récit de tristesse durable.

Les peintures intimistes sont la pièce de résistance dans un exposition à la National Gallery of Art à Washington jusqu’au 31 mars, qui présente plus de 100 œuvres sur papier d’un artiste surtout connu pour ses imposants champs de couleurs peints sur toile au cours des deux dernières décennies de sa vie. Il se rendra en mai au Musée national d’Oslo pour la rétrospective de l’artiste en Scandinavie.

« Je les trouve incroyablement optimistes », a déclaré Galerie de rythme fondateur Arne Glimcher, un ami de Rothko qui était son voisin à New York. « Il y a cette fraîcheur immédiate et cette touche minimaliste dans ces images où il pose le pinceau dans chaque couleur une ou deux fois seulement, et elles ne sont pas travaillées comme le sont les peintures à l’huile. »

« L’interprétation vous appartient »

Selon Glimcher, conclure que les tableaux sombres sont déprimants et que les tableaux clairs sont heureux est tout simplement « insensé ».

Une fois, se souvient Rothko, une femme est venue au studio pour un achat. Rothko aimait choisir lui-même l’œuvre qu’il vendrait à des acheteurs individuels, dans le but de faire correspondre le tableau à la personne qui vivrait avec lui. Cette fois, il a choisi une pièce aux accents bordeaux, bleu foncé et rouille. La femme n’était pas contente et a demandé à la place un tableau rouge vif, jaune et orange, qu’elle pensait être plus gai.

« Et il a dit à la femme : ‘Rouge, jaune et orange, n’est-ce pas la couleur d’un enfer ?' », a déclaré Glimcher. « Alors vous voyez, l’interprétation vous appartient, mais ce n’est pas nécessairement la sienne et ce n’est pas nécessairement le sujet de l’œuvre. »

Dans ses peintures en noir et gris sur papier, ainsi que dans une série similaire en noir et marron, Rothko étudiait également l’utilisation d’un bord blanc : à l’aide de ruban adhésif, il créait une sorte de cadre absent dans d’autres peintures.

« D’autres peintures sont comme le temps qui traverse les plaines et qui se présente au visage », a déclaré Glimcher. « Et dès que vous les entourez d’un bord blanc, vous regardez quelque chose qui pourrait être interprété comme un paysage. »

L’essence du travail d’une vie

Glimcher voit dans les œuvres les plus sombres un artiste distillant son œuvre en « une sorte d’essence ».

« C’est un effet naturel dans la carrière d’un artiste qu’il devienne de plus en plus subtil », a-t-il déclaré, citant Picasso et Matisse comme d’autres exemples.

L’exposition de la National Gallery fournit également un échantillon chronologique de l’évolution de Rothko en tant qu’artiste. Les portraits et paysages des années 1930 faisant référence aux impressionnistes européens comme Paul Cézanne cèdent la place aux compositions surréalistes des années 1940 qui rappellent Yves Tanguy ou Joan Miró.

Histoire d’origine

En 1949, Rothko expérimentait ce qui allait devenir son format reconnaissable. Dans une peinturedes rectangles horizontaux aux bords doux brillent sur un fond ensoleillé.

« À la fin des années 40, Rothko a décidé que les images reconnaissables devaient être pulvérisées, que la meilleure façon de communiquer directement avec le spectateur était de réduire ses compositions à des couleurs et des formes pures », a expliqué Adam Greenhalgh, commissaire de l’exposition. qui se rend en mai au Musée national d’Oslo pour la rétrospective de l’artiste en Scandinavie.

Les peintures sur toiles ont dominé l’œuvre de Rotkho au cours de la décennie suivante. En 1958, il accepte une commande visant à peindre des peintures murales pour le restaurant Four Seasons du bâtiment Seagram à New York, espérant que les pièces seront toujours exposées en groupe. Ce qui est devenu connu sous le nom de Peintures murales Seagram étaient également sa première série à se concentrer sur une palette sombre de bruns, de noirs et de rouges.

Palette vibrante

Finalement, Rothko fut déçu par le projet et l’abandonna. Il revient ensuite au papier, où toute la gamme de sa palette se décline en jaunes, oranges, rouges et bleus vibrants.

« Ces peintures palpitent. Elles scintillent. Elles gonflent. Elles reculent. Elles sont magnétiques et convaincantes », a déclaré Greenhalgh, le conservateur.

Après avoir souffert d’un anévrisme de l’aorte au début de 1968, Rothko travaille principalement sur papier, créant pour la plupart des œuvres de plus petite taille.

Il a utilisé des coups de pinceau dynamiques, en utilisant de l’acrylique et de l’encre à séchage rapide.

Regarder les rectangles de couleurs flous de Rothko peut être une expérience tellement viscérale que certains la comparent à une expérience spirituelle. Le collectionneur d’art Duncan Phillips, qui a contribué à introduire l’art moderne aux États-Unis, a utilisé le mot « chapelle » pour décrire la salle de trois tableaux de Rothko dans le premier musée d’art moderne des États-Unis, la Phillips Collection à Washington, DC. Et Houston abrite un véritable Chapelle Rothko. Il s’agit en quelque sorte de sanctuaires non confessionnels, où le visiteur est appelé à méditer et à se replier sur lui-même.

Comme Rothko l’a dit un jour : « Les gens qui pleurent devant mes tableaux vivent la même expérience religieuse que moi lorsque je les ai peints. »