Nam June Paik, un artiste d’origine coréenne qui a ouvert la voie dans le monde des beaux-arts en utilisant la vidéo comme médium, est le sujet du nouveau documentaire Above, the artist en 1982.
Dans un monde saturé de technologie numérique, l’art vidéo apparaît désormais comme une évidence. Mais se procurer de la vidéo, de l’électronique et des ordinateurs pour faire de l’art semble évident, en partie parce que l’artiste pionnier Nam June Paik l’a fait. Largement considéré comme le père de l’art vidéo, Paik – décédé en 2006 – est le sujet du nouveau documentaire,
Le film met l’accent sur la prescience de son travail et sur le courage dont il a fait preuve en vouant sa vie à l’image en mouvement à une époque où la peinture occupait la première place dans la hiérarchie du monde de l’art. « Le cinéma était considéré comme une forme de divertissement », explique Alexandra Munroe, conservatrice principale de l’art asiatique au musée Guggenheim et l’une des artistes et commissaires contemporains qui chantent les louanges de Paik à l’écran. « Ce n’était pas encore considéré comme une forme d’art, et qu’a choisi Nam June ? Il a choisi le média de la vidéo. »
Réalisé par Amanda Kim, (qui a été créé à Sundance en janvier) raconte l’histoire de la vie et de l’héritage de Paik, né en Corée, à travers des entretiens avec des sommités du monde de l’art, des lectures des mots écrits de Paik, une couverture médiatique et des images d’archives de son travail. Né en 1932 dans l’une des familles les plus aisées de Corée, le développement de Paik en tant qu’artiste a pris une tournure critique après qu’il se soit rendu à Munich en 1956 pour étudier la musique et ait vu le compositeur d’avant-garde John Cage se produire. « Ma vie a commencé un soir de 1958 », a écrit Paik, « 1957 était en Colombie-Britannique (avant Cage). » Cage a donné à Paik « le courage d’être libre ». Casser un violon, mettre le feu à un piano et utiliser son corps comme instrument pourrait être de l’art, et pas seulement de l’art, mais de la rébellion : contre l’ordre occidental et les notions de liberté autrement restreintes. Ces nouvelles possibilités éclaireront le reste de la carrière de Paik.
Prévoyant que la télévision finirait par remplacer la radio, Paik a décidé d’acheter une télévision et a été inspiré lorsqu’il a ouvert le dos. Il visait à faire à la télévision ce qu’il pensait que Cage faisait à la musique : en retirer le sérieux. « J’utilise la technologie pour mieux la détester », a-t-il déclaré. Mais pendant des années, peu ont pris au sérieux. La critique d’un critique de la première exposition télévisée de Paik en 1963 (qui était également la première exposition télévisée au monde) titrait: « Beaucoup de bruit, peu d’idées. Le jeune coréen voulait choquer – mais les résultats étaient insipides. »
Ce qui a finalement mis Paik sur la carte, c’est sa pièce de 1974, une sculpture vidéo qui représente une statue de Bouddha regardant sa propre image sur un écran de télévision adjacent. L’installation médite sur des thèmes variés – de la relation entre l’auto-absorption et la technologie aux contrastes et parallèles entre l’Orient et l’Occident. Après sa première, des magazines comme ont décrit Paik comme un « visionnaire vidéo » et des points de vente comme voulaient une interview avec lui. En 1982, Paik avait une exposition au Whitney Museum of Modern Art ; il s’agissait de la première rétrospective muséale de l’histoire à rendre hommage à un vidéaste.
Mais alors que Kim prend le temps d’illustrer la transformation de Paik en une figure influente du monde de l’art, elle est plus soucieuse de lui donner vie et de retracer les origines de ses philosophies que d’énoncer clairement l’influence de son travail. La façon la plus directe dont elle démontre l’inspiration de Paik à d’autres artistes est lorsqu’elle place des extraits de son art vidéo (la plupart proviennent de son montage de 1973) côte à côte avec ceux qui l’ont suivi, comme une publicité 7UP de 1984 ou « When Le clip de Doves Cry ». Pour ceux qui ne connaissent absolument pas Paik, cette absence d’explication détaillée sur la façon dont son impact peut être perçu aujourd’hui peut sembler insatisfaisante. Cependant, l’approche de Kim est parallèle à la propre persistance de Paik à créer un art qui élargit les possibilités et honore également l’importance de son travail, quelle que soit la façon dont il a façonné le travail des autres. L’héritage de l’artiste révolutionnaire est mieux défini non seulement par sa volonté, mais aussi par son expérimentation constante – pour casser des choses, les démonter et prédire l’avenir en le faisant.
Le documentaire se termine par une finale transcendante, dans laquelle Kim offre une fenêtre sur une exposition spectaculaire en 2000 au Guggenheim, intitulée « Les mondes de Nam June Paik ». L’une de ses installations, intitulée , présente un magnifique faisceau laser vert en zigzag traversant une cascade de sept étages. Au sommet de l’atrium se trouve un cyclone en spirale projeté au laser connu sous le nom de . La caméra fait un panoramique de haut en bas de la rotonde géante du Guggenheim, encadrant l’échelle comme une lance qui se dissout dans l’abîme tourbillonnant. Paik est décédé quelques années plus tard, et bien que nous ne sachions jamais ce qu’il pense des iPhones, de l’IA ou de TikTok, son travail continue d’interroger la relation entre l’art et les technologies en constante évolution qui nous entourent.
