La maison et le studio de Bruce Onobrakpeya, en partie protégés par des arbres, se trouvent discrètement le long d'une rue frénétique de Mushin – un quartier ouvrier de Lagos, dense de petites entreprises manufacturières, d'ateliers artisanaux et de vieilles maisons individuelles.
Mais sur un terrain généreux, sa maison moderniste en béton de trois étages où il vit depuis 1976 est une merveille tranquille. Des sculptures imposantes avec des têtes en bronze reposant sur des corps assemblés à partir de pièces de véhicules se dressent au-dessus du portail. Ils représentent une rangée de monarques traditionnels, vêtus de perles de corail et tenant des bâtons de cuivre.
Le complexe est un musée à part entière. La cour en béton est recouverte de sculptures, de peintures et d'une série de peintures murales, dont certaines qu'il décrit comme des « plastographes » – une forme unique de reliefs qu'il a innové, avec des illustrations gravées sur du zinc et des feuilles de métal.
«J'aime utiliser différentes techniques. Je veux montrer au public ce qu'il ne voit pas (mais) que moi, je crois voir. Quelque chose sous la surface que je perçois, apprécie et fais ressortir », explique l'homme de 91 ans en dirigeant une visite à travers l'enceinte.
À l'intérieur de la maison, son atelier s'étend sur deux étages, encombré à la fois de pièces récentes et d'autres œuvres qui couvrent plus de 70 ans de sa prestigieuse carrière de peintre, sculpteur et graveur pionnier.
Onobrakpeya, né dans le delta du Niger, riche en pétrole, est largement considéré comme l'un des artistes les plus créatifs et les figures les plus déterminantes du modernisme nigérian. «Le masque et la croix», sa première grande exposition personnelle aux États-Unis, s'ouvre cette semaine au Musée national d'art africain du Smithsonian et célèbre certaines de ses œuvres phares. L'exposition a eu sa première au High Museum of Art d'Atlanta l'année dernière.
Onobrakpeya s'est fait connaître dans les années 1950 en tant qu'étudiant au Collège nigérian des arts, des sciences et de la technologie de la ville de Zaria, dans le nord du Nigeria. Il est devenu membre fondateur d’un collectif d’artistes influents connu plus tard sous le nom de « Zaria Radicals », engagé dans la décolonisation des arts visuels et la réaffirmation des méthodes et pratiques artistiques nigérianes en synergie avec celles occidentales. Le collectif a inspiré la mission directrice de son travail.
Ses peintures mythiques réalistes et ses gravures en haut-relief ont été acclamées par la critique, comme « Free Fight in the Blind Underworld », une œuvre abstraite explosant de verts et de jaunes émeraude audacieux, représentant un affrontement entre deux personnages mythiques et adaptée d'un passage de l'un des les premiers et les plus célèbres romans nigérians, Daniel. Ses représentations originales et convaincantes d'histoires et de contes populaires autochtones d'O. Fagunwa sont devenues la couverture d'œuvres littéraires célèbres comme celle du géant littéraire nigérian Chinua Achebe.
Une refonte radicale de la crucifixion
C'est un prêtre irlandais de la cathédrale catholique Saint-Paul de Lagos qui a inspiré les œuvres aujourd'hui exposées au Smithsonian.
En 1966, le père Kevin Caroll a chargé Onobrakpeya et d'autres artistes de produire de nouvelles représentations d'histoires chrétiennes et d'iconographie catholique. Onobrakpeya a produit une série de gravures intitulée « Le chemin de croix », une réimagination de la crucifixion de Jésus.
Dans la vision d'Onobrakpeya, Jésus et les personnes qu'il a rencontrées alors qu'il portait la croix au cours d'un voyage torturé jusqu'au mont Calvaire sont vêtus de vêtements traditionnels, comme un tissu teint recouvert de motifs distincts et abstraits, confectionnés par le peuple Yoruba du sud-ouest du Nigeria. Les gardes et bourreaux romains sont transformés en officiers coloniaux britanniques. Jérusalem est remplacée par une ville nigériane postcoloniale – l’indépendance de la domination britannique a été obtenue en 1960. Chaque représentation regorge de symboles et de marqueurs de la vie nigériane.
La commande présentait une représentation convaincante de l'événement central du christianisme dans le contexte propre de l'artiste. Et c'était aussi politique. Dans « Le masque et la croix », le « masque » fait référence aux symboles et pratiques religieuses indigènes combattus par les missionnaires chrétiens arrivés au Nigeria, soutenus par des régimes coloniaux brutaux. Dans la série d'Onobrakpeya, les caractéristiques du patrimoine autochtone prennent vie et s'expriment comme un élément central de l'histoire chrétienne.
« Je nous le fais comprendre à notre manière plutôt que d'essayer d'utiliser l'idée ou l'imagination d'autres personnes pour raconter la même histoire », explique Onobrakpeya. « Pour que mon propre peuple, qui a la même expérience que moi, puisse la comprendre, l'apprécier et l'utiliser comme quelque chose pour avancer. »
Il souligne que les symboles et les cultures traditionnels africains auxquels les missionnaires se sont opposés constituent toujours, pour les convertis chrétiens africains, une partie importante de leur identité chrétienne.
Les œuvres afro-centriques sont également apparues à une époque, après l’indépendance de la domination britannique, où de nombreux membres de la nouvelle élite politique semblaient vénérer les pratiques culturelles britanniques et occidentales plutôt que celles du Nigeria, dit-il. « Leurs références concernaient Londres, Paris, Munich, New York. »
La série d'Onobrakpeya, exposée dans la cathédrale de l'église Saint-Paul, était le joyau d'une collection plus large de divers artistes issus du projet. « Ce que j'ai fait était une sorte de changement et les gens ne prennent pas le changement à la légère », dit-il.
Les œuvres ont été exposées à l'église Saint-Paul pendant près de 45 ans, source de fierté personnelle, mais n'ont pas été appréciées par la congrégation. Ils n’ont pas été perçus comme une réinterprétation mais comme une distorsion, selon Onobrakpeya, et ont finalement été retirés.
«Je me sentais mal, mais j'ai laissé les œuvres d'art vivre leur propre vie. Le plus important, c’est que cela nous a donné un sentiment de fierté de pouvoir revenir à nous-mêmes », dit-il. Leur influence est également restée intacte, inspirant des œuvres similaires. L'appréciation internationale de la collection s'est développée avec le temps.
« Le fait que ce que j'ai fait soit maintenant considéré comme quelque chose d'original, qui fait ressortir le véritable esprit de notre peuple et qui va être à nouveau exposé à Washington DC, me procure beaucoup de joie et d'enthousiasme. »
Aujourd'hui âgé de 90 ans, Onobrakpeya dit qu'il est revigoré par les voyages pour des expositions et des événements à travers le monde, et il espère venir à Washington, DC, à l'automne pour voir l'exposition du Smithsonian. Mais il a toujours hâte de revenir, partageant la plupart de son temps entre Lagos et sa ville natale d'Agbarha-Ottor, dans le Delta, où il a fondé l'Harmattan Workshop, une résidence pour artistes.
« Ma théorie directrice est que l'art doit être un instrument qui contribue au développement et au bénéfice de la population locale », dit-il, assis au milieu de ses œuvres, au son des mécaniciens et artisans locaux qui résonnent dans le rez-de-chaussée de son atelier. « Alors je voyage à l’extérieur du pays et j’en profite, pour aller voir ce que les gens font à l’extérieur, mais ensuite je le ramène à la maison et j’utilise mes idées pour développer cet environnement. »
